La artista
St. Vincent, nombre artístico de Annie Erin Clark, nació el 28 de septiembre de 1982 en Tulsa, Oklahoma, Estados Unidos, y pasó la mayor parte de su infancia en Dallas, Texas junto a su madre, padrastro y dos hermanas mayores. Comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y trabajó algunos de sus años de adolescencia como roadie para su tía y tío, el dúo de jazz de guitarra y voz Tuck & Patti.
En 2001, luego de graduarse de la Lake Highlands High School, donde participó en teatro y en la banda de jazz de la escuela, estudió en la prestigiosa Berklee School of Music (la cual abandonó después de casi 3 años de cursada) y grabó un EP de tres canciones autoeditado con otros estudiantes en 2003, titulado Ratsliveonnoevilstar. Su experiencia en esta institución la llevó a opinar que las escuelas como Berklee suelen estar más dirigidas hacia el atletismo del arte que hacia el producto. En retrospectiva, dijo:
Creo que con la escuela de música y la escuela de arte, o la escuela en cualquier forma, tiene que haber algún sistema de calificación y medición. Las cosas que pueden enseñarte son cuantificables. Mientras que todo eso es bueno y tiene su lugar, en algún momento tenés que aprender todo lo que puedas y luego olvidar todo lo que aprendiste para poder empezar a hacer música.
Murphy, Tom (12 de febrero de 2010). Q&A With Annie Clark of St. Vincent. Denver Westword. Consultado el 26 de mayo de 2021.
En 2004 dejó Berklee y se unió al gran grupo de pop barroco The Polyphonic Spree como guitarrista y cantante; hizo una gira con la banda y apareció en las sesiones de su álbum de 2007 The Fragile Army. El mismo año que se unió a The Polyphonic Spree trabajó brevemente con otro grupo grande: la orquesta de 100 guitarras de Glenn Branca, para una grabación de una de sus sinfonías de vanguardia. En 2006 dejó Polyphonic Spree y se unió a la banda de Sufjan Stevens. Grabó un EP de tres canciones, Paris is Burning, para vender en sus shows con Stevens, en el que adoptó el nombre de St. Vincent. En una entrevista para el programa The Colbert Report contó que tomó su apodo de una canción de Nick Cave & the Bad Seeds, que se refiere al hospital en el que murió el poeta Dylan Thomas. La referencia es a la línea «And Dylan Thomas died drunk in/St. Vincent’s hospital» de la canción There She Goes my Beautiful World del álbum Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus. El nombre también es una referencia a su bisabuela, cuyo segundo nombre era St. Vincent.
En 2007 emprendió su carrera solista y firmó contrato con el sello Beggars Banquet, que lanzó su primer LP, Marry Me (2007). Fue bien recibido por la crítica y en 2009 se mudó al sello independiente británico 4AD para su segundo álbum, Actor, producido por ella y John Congleton (que trabajó con artistas como Amanda Palmer, Laurie Anderson, Brian Wilson y David Byrne, entre muchos otros). Este segundo trabajo fue un paso adelante tanto en la música como en sus letras, y las buenas críticas, junto con las impresionantes actuaciones en vivo de la artista, ayudaron al álbum a pasar de las listas indie a las listas principales.
Dentro de su agenda de giras encontró tiempo para participar como invitada en álbumes de artistas como Amanda Palmer, The Mountain Goats y The New Pornographers, y en 2011 apareció en un concierto especial en homenaje a las bandas pioneras del rock indie cuya historia se relata en el libro Our Band Could Be Your Life: Scenes from the American Indie Underground, 1981-1991 de Michael Azerrad, donde interpretó una sorprendente versión de Kerosene de Big Black que ganó elogios del fundador del grupo, Steve Albini. En la primavera de 2011, se reunió en el estudio con Congleton, y el tercer álbum de St. Vincent, Strange Mercy, fue lanzado en septiembre. Este álbum también recibió elogios de la crítica y logró una calificación general de 8.1/10 en AnyDecentMusic? basado en 36 opiniones. Fue el álbum de St. Vincent que a mayor puesto llegó en las listas hasta el momento, alcanzando el número 19 en el Billboard 200. Comenzó a hacer giras por Estados Unidos y Europa presentando el álbum en el otoño de 2011 y continuó una gira mundial a lo largo de 2012.
Ese mismo 2012 colaboró con el músico de Talking Heads David Byrne después de que los dos se conocieran en 2009 en el Radio City Music Hall (Nueva York) para el concierto benéfico Dark Was the Night de la Red Hot Organization (lucha contra el SIDA/HIV). Planearon realizar un único espectáculo juntos; sin embargo, después de que la pareja comenzara a intercambiar ideas, el proyecto se convirtió en un álbum completo. Incorporaron instrumentos de metal en el sonido e intercambiaron letras por correo electrónico hasta que Love This Giant apareció en 2012. St. Vincent pasó gran parte de ese año y 2013 de gira en apoyo del proyecto, que fue un éxito comercial y de crítica. A fines de 2013 comenzó a trabajar en su cuarto álbum, una vez más junto a Congleton, titulado St. Vincent (2014).
En 2015 apareció en el álbum Born in the Echoes de The Chemical Brothers, y también contribuyó con una versión de Emotional Rescue de The Rolling Stones para la banda sonora de la película A Bigger Splash (2015, dirigida por Luca Guadagnino); en 2016 escribió y dirigió el segmento The Birthday Cake de la película antológica XX, conformada por cortos de terror escritos y dirigidos exclusivamente por mujeres.
En 2017 se convirtió en la primera embajadora del Record Store Day y más tarde ese año lanzó su quinto álbum, MASSEDUCTION, que grabó con el co-productor Jack Antonoff en Nueva York y Los Ángeles, el cual además incluyó las colaboraciones de artistas como Kamasi Washington, Jenny Lewis, Tuck & Patti, Doveman y Cara Delevingne.
En 2019 actuó en la 61a entrega de los premios Grammy donde se unió a Dua Lipa para un mashup de su propia Masseduction, Respect de Aretha Franklin y One Kiss de Dua Lipa y Calvin Harris. Esa misma noche, Masseduction recibió el Grammy a la Mejor canción de rock. En diciembre, lanzó Masseduction Rewired, una colección de remixes curada por la DJ rusa de techno Nina Kraviz.
El 15 de diciembre de 2020, St. Vincent anunció que lanzaría su séptimo álbum de estudio en 2021. El 25 de febrero de 2021, carteles callejeros revelaron que el álbum Daddy’s Home se lanzaría el 14 de mayo de 2021. El primer simple del álbum, Pay Your Way in Pain, fue lanzado el 4 de marzo de 2021 junto con un video musical. En un perfil escrito por Eve Barlow para la revista The Forty-Five en marzo de 2021, St. Vincent reveló que hilo conductor de Daddy’s Home es la liberación de su padre de la prisión:
«La gente ha crecido. Preferiría ser yo quien contara mi historia», dice. «La liberación de mi padre de la prisión es un gran punto de partida, ¿verdad?»
Barlow, Eve (10 de marzo de 2021). St. Vincent – Cover Story: «Clark Girls are an impenetrable force. We will cut a bitch». The Forty-Five. Consultado el 26 de mayo, 2021.
El segundo simple del álbum, The Melting of the Sun, fue lanzado el 1 de abril de 2021, junto con un video con letra. Dos días después, St. Vincent fue la invitada musical de Saturday Night Live interpretando Pay Your Way in Pain y The Melting of the Sun.
Daddy’s Home fue lanzado el 14 de mayo de 2021.
El disco
Daddy’s Home es el sexto álbum de estudio de St. Vincent, lanzado el 14 de mayo de 2021 por Loma Vista Recordings. Al igual que su predecesor, MASSEDUCTION (2017), Annie Clark produjo el álbum junto a Jack Antonoff. Daddy’s Home se inspiró en la liberación del padre de Clark de la prisión a fines de 2019, así como en la paleta musical de la ciudad de Nueva York en la primera mitad de la década de 1970.
Tras su lanzamiento el álbum fue aclamado por la crítica. En el sitio Metacritic obtuvo una puntuación promedio de 86 sobre 100, según 28 reseñas, lo que indica «aclamación universal». A su vez, AnyDecentMusic? recopiló reseñas que le dieron al álbum una puntuación promedio de 8.2 basada en 29 reseñas.
El crítico Jonathan Bernstein de la revista Rolling Stone le dio 4/5 estrellas y lo llamó una «cepa mutante de pop retro impregnado de la tradición de Nueva York», mientras que la revista Mojo lo elogió como una «realización conceptual completa, llena de grandes melodías, ritmos profundos, caracterizaciones coloridas y detalles sonoros que se revelan en jugadas repetidas», otorgándole la calificación perfecta de 5 estrellas.
El álbum alcanzó el número 16 en la lista US Billboard 200, el 1 en la US Independent Albums (Billboard) y el número 2 en las listas de Billboard de US Top Alternative Albums y US Top Rock Albums. A su vez, debutó dentro de los primeros 15 puestos en Australia, Bélgica, Holanda. Irlanda, Escocia, Suecia e Inglaterra.
La artística incluye a Annie Clark (St. Vincent) en voces, guitarras eléctricas y acústicas, cítara eléctrica, guitarra lap steel, bajo eléctrico, piano eléctrico Wurlitzer, teclados varios, Mellotron y vibráfono; a Jack Antonoff en batería y percusión, bajo eléctrico, Wurlitzer, guitarras, coros, sintetizadores, Mellotron, piano, clavinet, clavicordio y guitarras acústicas; a Thomas Bartlett en piano y Wurlitzer; a Cian Riordan en baterías; a Lynne Fiddmont y Kenya Hathaway en coros; Evan Smith en saxofones, flauta, guitarra, sintetizadores, clarinete y metales; Sam KS en baterías y congas; Patrick Kelly en bajo eléctrico; Greg Leisz en pedal steel; Daniel Hart en violín; y a Michael Leonhard en metales.
La técnica está compuesta por Clark y Antonoff en la producción; Laura Sisk y Peter Labberton como ingenieros de grabación; John Rooney y Jon Sher como asistentes a los ingenieros de grabación; Cian Riordan en la mezcla y grabaciones adicionales; y Chris Gehringer en la masterización. El arte de tapa y concepto visual general de Daddy’s Home fue realizado por la propia Clark como directora de arte y directora creativa junto a Leah Lehrer y Liz Lambert; Zackery Michael en fotografía; Mishka Westell en el diseño del packaging; Avigail Collins como estilista; Pamela Neal en la peluquería y Hinako Nishiguch en maquillaje.
La música
«Inspiración» y «tributo» son los dos conceptos primigenios que me vienen a la mente tras escuchar repetidas veces Daddy’s Home, disco que aunque se ubique a mi gusto levemente por debajo de MASSEDUCTION (y enormemente por debajo del increíble St. Vincent), es un nuevo hito dentro de la eternamente camaleónica y evolutiva Clark, y se puede consumir como un digno referente de una era musical heredada por Clark gracias a la influencia del mencionado en el título, espacio en el que además rinde homenaje a esa época más permisiva mientras rastrea las mejores y las peores cosas transmitidas a través de las generaciones.
Su versión de los primeros años 70s se ve tanto en alusiones sonoras como culturales y hasta estructurales: Daddy’s Home es un disco conceptual, aunque dicho concepto por momentos se vea inundado más por el facilismo replicante que por la verdadera comprensión de esencia y sustancia.
Con la salida de su padre de la cárcel como punto de partida, Clark explora áreas grises morales en canciones que son difusas en lugares donde las de sus discos anteriores eran tensas, en parte, y principalmente, gracias a su tratamiento de las letras que la ubican disociada emocionalmente de cualquier carga sentimental posible, ofreciendo aquellos momentos donde más podría haber invertido su emotividad en tracks cantados en segunda persona (…At the Holiday Party, Live in the Dream), dedicados a íconos del pasado o con alusiones que resultan levemente brutalistas y absurdas (Candy Darling, actriz trans que fuera protagonista de varias de las películas de Andy Warhol, parte de su clique Warhol Superstar e inspiración para The Velvet Underground; o bien la un tanto patética frase «Like the heroines of Cassavetes I’m underneath the influence daily» de The Laughing Man que alude de forma simplista e infantil a A Woman Under the Influence del director –y donde claramente está intentando repetir el ambiente de la mucho más lograda Prince Johnny—), o que tratan con liviandad, de manera formulista y con desdén los hechos más fortuitos y pesados que fueron impulso y fuerza motriz para la creación del disco (básicamente todo el track Daddy’s Home pero puntualmente en frases como «Where can you run when the outlaw’s inside you?» o «And we’re tight as a Bible with the pages stuck like glue»).
El mapa sonoro se construye casi exclusivamente a partir de un muy contenido conjunto de influencias claramente discernibles, y a pesar de contar con alguna que otra excepción (siendo Down quizás la más notable, pero hasta ahí), las raíces que dieron fuente a Daddy’s Home son fácilmente identificables partiendo (aunque no habría sido para nada necesario) desde la playlist que la propia artista publicó en Spotify previo al lanzamiento del disco: Steely Dan, Stevie Wonder, Lou Reed, David Bowie (Pay your Way in Pain es hermana cercana de Fame presente en su Young Americans), Harry Nilsson, The Pointer Sisters y Marianne Faithfull, entre tantas otras incluidas ahí, eligiendo dejar para el final las que son tan cercanas a su inspirador/a que parecen b-sides de ellos (Joni Mitchell tranquilamente podría haber firmado …At the Holiday Party, mientras que Live in the Dream podría ser Us and Them, Pt. 2 de Pink Floyd si tan solo Clark le hubiera incluido un solo de saxo).
Así y todo la producción es magistral, la el sonido es brillante, los temas como parte de un conjunto temático se sostienen bastante bien y sin ser el álbum más brillante de la artista logra transmitir una nostalgia que de por sí sola debería considerarse lo suficientemente introspectiva y personalista para ser un disco de carácter y a la altura de sus antecesores.
Y a pesar de lo que yo o cualquier otra persona pueda opinar sobre el disco, el proceso creativo conlleva tal esfuerzo, exposición, introspección y desnudez de uno hacia el mundo que poco valen las opiniones ajenas sino sólo las propias de la artista. Por eso creo que lo único de peso real en Daddy’s Home es lo que la propia Annie escribió en su cuenta de Instagram el 26 de mayo de 2021:
Pasó poco más de una semana desde que Daddy’s Home fue liberado al mundo. Me encanta de verdad. Realmente me encantó hacerlo. Espero que a vos también te guste. Espero que te conecte contigo. Te conecte a vos conmigo. Te conecte a vos con vos.
Tengo un amigo que dice que para poder escuchar realmente un nuevo disco, vos, la música y el mundo deben estar en armonía el uno con el otro.
Fue un placer hacer este disco. Aprendí mucho en el proceso. Sobre el tiempo profundo. Sentir. Armonía. Tocando. Cantando. Espero que te encante. Y si no lo hace, espero que sepas que hice lo mejor que pude y tal vez el próximo sea para vos. O que escuches éste de nuevo en un año y digas, «quizás lo vuelva a intentar» y, como por arte de magia, vos, yo y el mundo estaremos en armonía juntos.
Mucho amor,
AC